Encore une soirée marquée par un temps maussade, mais le public avait une fois de plus répondu présent, et c'est couvert de multiples pull-overs ou autres couvertures qu'il dut braver le froid glacial qui fit faire la grimace à quelques musiciens. Les premiers artistes à rentrer en scène furent le trio Français avec un voisin de naissance, puisque Louis Sclavis est Lyonnais. D'ailleurs ce dernier s'était déjà récemment produit dans le cadre de " jazz à Vienne série " le 7 janvier dernier à l'auditorium de Lyon, avec un autre " souffleur d'anches" : Michel Portal. Le trio de cette soirée est né d'une idée assez ancienne du photographe Guy le Guerrec, à qui il dédia son premier album photo musical : " Carnet de route ". En effet chacun sait que, depuis 1990, cette formation visita à trois reprises le continent Africain pour y donner des concerts hivernaux mais brûlants, puisqu'à chaque voyage les trois musiciens donnèrent autant qu'ils reçurent de ce berceau humain et musical. Cependant cela reste plus nuancé pour le second album " Suite africaine " où la personnalité de chacun des trois protagonistes est la mieux marquée car moins influencée par le continent noir. En effet ce voyage en Afrique de l'est et du sud, -qui est presque un autre continent- est essentiellement sous influence colonialiste Anglaise, et les habitants villageois ou " citadins " sont beaucoup moins ouverts et expansifs que leurs " cousins " de l'ouest.

Les artistes débutèrent par un thème choc qui put déranger une partie de l'assistance non prévenue… mais cette onde de choc était nécessaire pour, en quelque sorte préparer le terrain du répertoire essentiellement puisé dans les deux album cités plus haut, tels que " hauts plateaux, Windhoek suite, Soul is free' Entrave ou Pingouin ". Ces thèmes, composés indifféremment par les trois membres de la formation, nous firent voyager dans les lointaines savanes Africaines du Sénégal comme dans l'Afrique du sud avec " Standing ovation for Mandela ".
Henri Texier se dépensa sans compter et son jeu très physique est toujours aussi impressionnant. Il a su varier avec bonheur et talent les rythmes et les touchers de son manche d'ébène de sa contrebasse en alternant, jeu en octave, à l'archet, à la baguette (dont la sonorité ne fut pas sans rappeler le Africain) , en slapping et même en rythmique au pouce à la façon d'une guitare jazz !
Aldo Romano, comme à son habitude, sut parfaitement temporiser ou dynamiser les thèmes qu'ils soient d'inspiration moderne ou Africaine. Son toucher de cymbales très cristallin et l'utilisation des maillets feutrés sur la caisse claire et les tomes, marie harmonieusement les tendances jazz avec les rythmes binaires ou ternaires de circonstance.
Louis Sclavis, dont la virtuosité peut laisser croire que la pratique du saxophone ou de la clarinette est assez aisée, n'est plus à présenter. Il a la lourde tâche, à lui seul en quelque sorte, de présenter les thèmes et premiers développements qui tirent parfois sur une improvisation très free. Bien souvent ses interprétations débutent par des sortes de gammes montantes et descendantes sur lesquelles il semble ensuite " faire le tri " pour ensuite dégager l'essence du thème et de son inspiration… et toujours cette façon originale de marquer les temps forts par les claquement de clapets de mécanique de sa clarinette basse. S'il suffisait de deux mots pour résumer leur prestation ce seraient sans doute ceux-ci : " standing ovation ! ! ", ce qui fut le cas par deux fois en cette soirée et de la façon la plus méritée qui soit.

Ce fut ensuite au tour du troisième tentet du festival de se présenter (le festival avait déjà accueilli ceux de Stan Laferièrre et du Lincoln Jazz Orchestra le 7 Juillet dernier)… et il était porteur d'un des plus grand nom du jazz : Théolonius Monk. La formation de cette soirée était prometteuse puisque la plupart des musiciens furent d'anciens compagnons du maître. J.P. Boutellier nous proposa une entrée originale des artistes qui se présentèrent un à un sur la scène dès leur nomination.
Déjà une certaine décontraction pouvait se dégager de l'ensemble de ce mini big band comportant un nombre égal de musiciens blancs et noirs : pas de costume particulier, une casquette vissée sur la tête de Phil Woods, des échanges de bons mots entre pupitres, etc.…
Et l'orchestre débuta par le premier standard de leur répertoire : " Epistrophy " sur lequel justement P. Woods voulut se jeter à l'eau en chorusant le premier (il faut rappeler qu'il faisait ce soir un temps glacial) avant de passer la main à ses collègues. Puis ce fut le tour de " Bye-ya, Every danse, Light blue, I mean you, etc. Tous ces standards s'égrenèrent sans grande originalité et il faut bien dire que le public commença à trouver le jeu un peu rengaine. Evidemment la technique de groupe ou individuelle est irréprochable, mais il une fois de plus, il semble que ces grandes formations américaines vivent trop sur leur renommée. Elles se contentent de faire de l'interprétation quasi scolaire sans aucun débordement ni improvisation spontanée, d'un répertoire suranné pour faire " tourner la boutique ".
On a pu voir tout de même Don Sickler se lever en cours de morceau pour lancer tel ou tel chorus qu'il lui semblait bon de placer au moment opportun, mais ce fut bien là le seul repère propre à une musique qui se veut libre de tout carcan et qui fait partie de leur patrimoine.
Autre point décevant de la soirée : la sortie rapide et très calculée de l'orchestre après seulement 55 minutes de concert. Calculée, car les musiciens n'attendirent même pas le rappel du public pour faire à nouveau leur entrée, et où le bon sens (ou la bonne idée) aurait voulu de jouer enfin un ou deux des plus grands thèmes de T. Monk comme Round Midnight et Blue monk, pour le swing et le plus grand plaisir du public, mais en vain. Le froid aidant, la plupart ne se fit pas prier pour rentrer chez lui un peu en avance sur l'horaire et surtout un peu sur sa faim en ce qui concerne cette deuxième partie.

François Gayet

Une fois encore, le temps se fit menaçant en cette soirée " All Night Jazz ", mais il n'a pas pu enrayer la forte participation du public, -le théâtre fut même complet vers 21 h 15- dont une majorité de jeunes, visiblement attirés par l'affiche jazzy rock du programme. Après un hommage appuyé du public à J.P. Boutellier qui faisait là sa dernière présentation d'un programme en tant que directeur du festival, la soirée, que le " patron " qualifia de, " sous le signe du voyage " débuta sous une fine pluie, heureusement passagère ; dire qu'il a deux mille ans ce théâtre comportait 13500 places et était couvert ! !

20 h 30 : Matt Darriau's Paradox Trio
Matt Darriau : reeds
Brad Shepik : guitare
Seido Salifoski : dumbeck et dabourka
Ruffus Cappadocia : cello
Groupe atypique des faubourgs de New York formé par quatre musiciens aux origines diverses, il propose un son très moderne associant les sonorités balkaniques et occidentales par l'utilisation toute en finesse de la guitare électrique (gretsch demi-caisse du type county gentleman 6122, pour les connaisseurs) qui est un modèle de délicatesse et de grain dans les aigus… ce qui correspond bien à ce type de musique orientale ciselée.
Le jeu de cello de R. Cappadocia, au nom évocateur, porta à souhait la partie rythmique -avec la dabourka de S. Salifoski- en ce sens que la cinquième corde bourdon permet de marquer les temps forts pendant que les quatre autres autorisent de jouer une mélodie simple ou même de sérieux chorus en complément de ceux de M. Darriau avec les instruments traditionnels comme la flûte orientale à bec ou même la cornemuse.
Le public reconnaissant là une musique de plus en plus prisée, le raï, rythma souvent les tempos d'origine Turque ou Bulgare et rappela par deux fois le groupe, ce qui permit entre autre à S. Salifoski, de faire une véritable démonstration sur sa dabourka en fût métallique.

22 h 15 : Le Trio Rosenberg invite Bireli Lagrène et Christian Escoudé.
Nonnie Rosenberg : contrebasse
Stochelo / Nous'che Rosenberg : guitares électroacoustiques
Bireli Lagrène et Christian Escoudé : guitares électriques jazz

Le trio Rosenberg, originaire de Hollande, fait partie de la grande famille Tsigane dont les frontières ne sont que virtuelles. Les trois cousins ne vivent que pour la musique et sont profondément enracinés dans cette culture " djangolienne ". Cependant au fil des années – ils se produisent depuis plus de 20 ans - ils ont su acquérir leur propre style qui a fait école parmi les inconditionnels du genre.
Tous trois sont de formidables techniciens qui se sont en quelque sorte partagé (ou spécialisé) les " tâches " : Nonnie appuyant les temps forts sur sa contrebasse très bien dosée, mais que la balance du soir avait trop assourdie. Nous'che au manche de sa guitare type Selmer Macaferri, (rosace en D, comme celle des débuts du maître), assure la rythmique avec une assurance et une dynamique qui font chercher où se trouve la batterie du groupe ! Stochelo, véritable TGV du manche, mais à bon escient, c'est à dire dans le plus pur style manouche (assez proche de celui de Romane), assure les solos étourdissants ou posés sur sa Selmer (rosace ovale, comme celle du maître lorsqu'il jouait au hot club de France).

Ils entamèrent en trio ce concert par quatre morceaux de style très divers dont deux dédiés à des membres de leur famille, un pour l'Andalousie et le dernier par un vrai blues en Si bémol avec une grille typiquement jazz : quatre véritables petits bijoux de finesse et de sensibilité, sans exubérance d'aucune sorte. Puis vinrent les deux invités… B. Lagrène avec une splendide Gibson Le Grande dont la facture (pas l'addition mais la fabrication ! …quoique ! ! ? ) dut faire des envieux parmi les nombreux guitaristes du public, et enfin, le quinquagénaire mais toujours jeune, C. Escoudé, avec également une Gibson, mais plus proche (plus proche seulement) des moyens du commun des mortels, une type ES 175, la guitare jazz de référence.
Alors le répertoire s'étendit vers de larges interprétations de grands standards comme " Out of nowhere ", un " Summertime " très enlevé ou encore un " Oléo " à couper le souffle. A chacun de ces thèmes, au cours desquels B. Lagrène fit preuve d'une très grande décontraction voire une nonchalance inhabituelle chez lui, (peut-être était-il particulièrement à son aise au sein de cet ensemble gitan), les trois solistes prirent à leur tour des solos propres à chacun de leur style ou tendance.
C. Escoudé qui dut un moment s'éclipser pour remplacer sa corde de mi 1ère cassée en cours de concert, apporta le son chaleureux et véloce à la façon de Tal Farlow. Il échangea sans aucun télescopage avec B. Lagrène, même si par moment on put penser qu'un seul " guest star " eut été suffisant pour cette soirée, que quelques-uns ont trouvé comme trop jouée à la montre…
A leur unique rappel, (les techniciens ont investis la scène sans plus attendre) le quintette eut l'excellente initiative de jouer le standard que certains n'osent même plus interpréter : " les feuilles mortes ou Autumn leaves ", un vrai régal que de nombreux amateurs purent reprendre en cœur.

23 h 30 : Ali Farka Touré 
Ali Farka Touré : guitare et chant
Hamadoun Bocoum et Semba Touré : chœurs
Oumar Diallo : basse électrique
Alpha Ousmane Sankaré : calebasse (au sol)
Oumar Hamdoun Touré : conga et chœur
Souleymane Kané : djembé

Le temps pluvieux ne put jamais ôter la bonne humeur des sept protagonistes de cette troisième partie et l'envie de danser au public qui eut la bonne idée de rester pour ce troisième concert de la soirée. J'ai même vu des parents dire à leur progéniture qu'ils resteraient juste un ou deux morceaux pour voir, avant de partir, et qui étaient encore là, debout à rappeler le groupe à la fin de leur troisième rappel ! ! L'entrée des musiciens fut déjà en elle même un spectacle, et J.C. Boutellier avait bien raison en qualifiant le programme " de nuit du jazz avec invitation au voyage " : les musiciens vêtus de six costumes semblables aux motifs africains vinrent jouer chacun à leur tour de leur instrument pour enfin accueillir Ali Farka Touré vêtu d'un costume de seigneur du désert bleu anthracite (n'ayons pas peur des mots), la tête couverte d'un turban rembourré retombant en arrière, maintenu par un collier frontal très coloré et enfin avec un large foulard rose plissé couvrant le cou et le torse…  on en avait plein les yeux, et les oreilles n'allaient pas en être en reste pour autant.
Tout de suite l'assemblée comprit à qui elle avait à faire, c'est à dire à d'authentiques musiciens restés fidèles à leur racines, sans influence occidentale majeure . Bien sûr, il y a tout de même une présence moderne sur la scène : une guitare électrique dans les mains d' A.F. Touré, mais quelle guitare ? Car en fait c'est surtout pour utiliser l'amplification qu'il a recours à cet instrument qu'il pratique à la façon d'une cithare malienne, avec deux doigts : le pouce sur la corde de mi grave accordée en bourdon à chaque morceau, et l'index muni d'un onglet qui joue la mélodie sur deux cordes, à la façon d'un banjo... quant à la basse électrique, on peut en résumer le rattachement à son pays par le fait que O. Diallo, jouait en gaucher sur une basse de droitier montée avec ses quatre cordes comme telles ! ! ! du jamais vu ; en Europe, tout du moins.
Dès le premier morceau , on fut littéralement transporté aux portes du désert, à " Niafunké " plus exactement, le village natal de O.F. Touré, situé sur les rives du niger et le nom de son dernier album. La musique de A.F. Touré est à mi-chemin entre les rythmes de la savane et les premiers blues de l'Amérique où les instruments sont d'abord les accompagnements des chants. Le groupe interpréta ensuite de nombreuses compositions originales que les chœurs reprenaient à l'unisson ou en tierce tout en dansant de façon très communicative. Après le premier des trois rappels, O.F. Touré eut la gentillesse toute naturelle et profondément sincère de remercier le public à qui il confia ne plus vouloir partir tant il était heureux d'apporter un peu de sa chaude tradition musicale dans un pays si froid ! Puis il prit un petit instrument africain bicorde avec une calebasse de la taille d'un melon pour caisse de résonance qu'il présenta comme son seul professeur musical " et ne venant ni de la Sorbonne ni d'un conservatoire quelconque ". Là aussi un micro cravate fut le seul témoin de notre civilisation pour deux morceaux où les percussions Africaines nous rappelèrent de façon magistrale nos racines communes musicales.

Le 14 juillet 2000 : suite de la nuit du jazz.
01 h 30 : Keziah Jones 
Kézia Jones : guitares
Pour la constitution de l'orchestre, les documents officiels ne nous ont pas précisé les noms exacts des musiciens, je me contenterai d'en décrire les pupitres.
Un tout jeune bassiste : basse électrique
Un non moins jeune batteur : batterie type rock rock-fusion
Un percussionniste à la quarantaine bien frappée… je prends des risques ! : congas et timbres.

Kézia Jones a permis deux choses essentielles dans cette dernière nuit du festival : 1°) l'attirance d'un public jeune et nombreux et que cela fait du bien d'être entouré par des jeunes ouverts sur d'autres horizons musicaux que le rock pur et dur, (ils ont toujours été respectueux des formations précédentes) et de sentir que la musique, quelle qu'elle soit, n'est la propriété d'aucune génération ni d 'aucun clan quel qui soit. 2°) de garder un nombre important de spectateurs jusque tôt le matin… mais la direction de la programmation du festival sait bien que cette plage horaire du concert est d'abord celle des jeunes !
K. Jones. Ce nom fait davantage partie du top 50 que de l'univers jazz, mais encore une fois le jazz ne doit pas faire du nombrilisme, celui qui fait dire à certains " Tony Bennett, A.F. Touré ou K. Jones, c'est pas du jazz !".
En quelque sorte c'est vrai, mais le jazz est une musique vivante en perpétuelle évolution. Alors doit-on réserver l'exclusivité du festival au jazz le plus académique qui soit… la prestation des grandes formations Américaines de ce cru ne nous en a pas une fois de plus convaincu.
K.Jones est d'abord un véritable musicien, auteur, compositeur , interprète et guitariste de talent. Dès son arrivée en scène, il nous interpréta trois morceaux avec sa guitare en solo sans l'appui d'aucune rythmique, comme pour ne jamais oublier les rues de Paris ou Londres d'où il vient…ces rues dans lesquelles il a dû connaître fortunes diverses et su se forger un style propre qui ne fait pas dans la demi-teinte.
D'ailleurs si on s'attache plus à la technique qu'au contenu du concert de ce soir, plusieurs indices ne trompent pas quant à ses origines (il est né au Nigeria) et quant aux années de galère qu'il a connu avant la reconnaissance que l'on sait : Sur ses cinq guitares, trois doivent faire partie de sa vie depuis pas mal d'années, comme en témoignent les réparations de fortunes non dissimulées, et sa préférence vers celles-ci au détriment des deux autres plus reluisantes ; Son jeu de guitare très grunge avec un rythme dub, qui associe rythmique et legato et qui rappelle un de ses maître, Jimi Hendrix. Il porte à lui seul tout le " fond " des thèmes qu'il interprète. Ses musiciens, même s'il les respecte en ne les cantonnant pas uniquement dans le rôle d'accompagnateurs, n'en restent pas moins ses seuls appuis. La preuve en est qu'il "  utilise ", en plus des indispensables bassiste et batteur, un percussionniste au lieu d'un guitariste ou pianiste rythmique…encore une référence à J. Henrix dont il joua sans faillir " axis, bold is love " ; Ses instruments particuliers, comme cette guitare demi creuse avec seulement deux cordes : une corde métallique de mi grave et une corde de sol en nylon, et dont on se doute que l'idée de les utiliser de cette façon ne lui est pas venu en tant que simple fantaisie, mais certainement par concours de circonstances... Enfin cette façon de jouer de la guitare comme de la basse et de la basse comme de la guitare (ce qui a fait que certains morceaux étaient interprétés par une double section batterie percussions et une double section de basse), laisse sous-entendre que K. Jones n'a peut-être pas toujours eu le choix de ses instruments.
  Pour finir, K. Jones à littéralement fait tournoyer dans nos têtes des souvenirs de rock Hendrixien, de blues du delta, de jazz-fusion, de musique expérimentale et de musique subway sans que jamais il ne nous perde et ne nous lasse de l'écouter dans ce dédale d'inspiration…même sous la pluie, jusqu'à trois heures du matin !