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Anne Parillaud dans Deadlines Il y a tout ce que voulez / Aux Champs-Ely-sées!
Tomorrow’s Weather «La vie n’est pas
ce que l’on a vécu, mais ce que l’on en retient»,
observe justement un Polonais rondouillard, perplexe à la
redécouverte de son pays après 17 ans cloîtré
dans un monastère. Jerzy Stuhr, auteur,
metteur en scène et premier rôle du brillant Tomorrow’s
Weather, signe pour son cinquième long métrage
une comédie populaire d’une intelligence fine et drôle.
Chronique familiale décapante, état des lieux lumineux
de la transition du communisme au capitalisme, le film reprend le
canevas, l’émotion et la justesse du regard individuel
sur la société de L’Homme sans passé,
d’Aki Kaurismaki, mais en plus contemplatif et en plus léger. Comédie gonflée à l’hélium
La séquence la plus savoureuse du festival offre cette vision
aussi nette qu’ahurissante d’un héros, sympa
comme le «Big Lebowski» des frères Coen,
volant à travers les gratte-ciel de Sydney, assis dans un
rêve éveillé.Ce superbe hommage au cinéma
ne contient pas tout l’intérêt d’un film
garni de rebondissements et de supercheries divertissants (atterrissage
au-delà du désert dans une bourgade champêtre
accueillante, l’occasion de se bâtir une autre existence,
plutôt fleur bleue). Du générique alerte (et
un gag coulé dans le béton!) jusqu’au final
largué pour la blague, nulle place à l’ennui,
bien que le tout ne cultive guère les rares ambiguïtés
(sentimentales) soulevées par une intrigue si gonflée.
Au pays des chansons de Roberto Carlos En fait de périple, Marchant
sur les nuages se pose en référence.
Inspirée d’une histoire vraie (comme Danny
Deckchair!), cette première fiction longue
du documentariste Vincente Amorim relate la longue
errance d’une pauvre famille nombreuse brésilienne
partie sur les routes du Nordeste… à bicyclette ! Dans
des paysages somptueux, filmés sans esthétiser, cette
odyssée sud-américaine séduit par sa sincérité
attachante. Impossible d’oublier ni les chansons déchirantes
de Roberto Carlos reprises par la belle Claudia Abreu (radieuse
en mère à l’optimisme bouleversant), ni les
visages endurcis mais toujours souriants de ses enfants. A travers
une chronique familiale marquée par la confrontation du père
avec son fils aîné, la bonté aveugle du peuple
brésilien éclate entre le chômage endémique
et l’espérance catholique, entre l’adolescence
chaotique et la gravité de l’âge adulte. Si loin
de son plein développement, le Brésil dépeint
par Amorim semble rechercher ce passage vers l’âge adulte. L’enfant est un petit homme Oeuvre pour enfants moins infantile, Hollow City suit également l’itinéraire d’un garçon perdu dans la ville, à Luanda cette fois. Soutenu par de superbes images signées Jacques Besse, caressé par le saxo de Manu Dibango, ce magnifique premier film, très bien écrit, laisse rêveur devant des plans épurés, composés avec un soin remarquable. Ancienne assistante du grand cinéaste malien Abderrahmane Sissakho, Maria Joao Ganga a l’art de montrer l’enfant en tant que petit homme. Ainsi, au jeune N’dala, paisible orphelin échappé de la campagne angolaise, s’ouvre la vie de Luanda, de jour (l’école, le théâtre, la domesticité) comme de nuit (les danses, la prostitution, le cinéma). Seulement la capitale vit aussi au rythme du couvre-feu, «quand la ville se vide» (titre original du film). Et à ces heures perdues, N’dala le philosophe n’échappe pas au crime généralisé.
Comme un bon papier de sous les bombes! En toute logique, Yu Nan a remporté le Prix d’Interprétation Féminine du festival (lire le palmarès en encadré), ex aequo avec Anne Parillaud. Avec ce nouveau succès dans sa ville natale, la Parisienne revient en force, 14 ans après le César indiscutable de la meilleure actrice pour Nikita, de Luc Besson… Photographe de guerre passionnée dans le trépidant Deadlines, Anne Parillaud démontre, à l’écran et tout en subtilité, le commun aux métiers de comédienne, de prostituée et de journaliste. Mis en scène par deux anciens briscards de l’info, documentariste pour la BBC pour l’un et correspondant de guerre au Liban pour l’autre, Deadlines raconte, avec un admirable souci du détail, les tribulations d’un reporter à Beyrouth, au début des années 80. Sur les traces d’Alex Randall (stoïque Stephen Moyer), se révèlent l’ambiance des grands hôtels moites, le jargon des salles de presse narquoises ou furibardes, les techniques professionnelles sur le terrain, le claquement du fil d’agence déchiré… Concis, clair et bourré de vécu, comme un bon papier de sous les bombes mais la fiction en plus ! En effet, l’histoire, simple mais efficace, démarre au quart de route, au rythme réaliste d’un jeune effronté parti couvrir le Liban sur un coup de tête, à l’audace. En plongée dans un pays du Cèdre en guerre reconstitué de manière confondante en Tunisie, le style proche du carnet de route rappelle d’abord Alan Parker. Puis le film s’enfonce un peu dans un sujet difficile, la manipulation, opposé au devoir d’indépendance des reporters. De fait, Deadlines trouve dans le jeu expert d’Anne Parillaud sa meilleure source de crédibilité. Véridique, dopé à l’adrénaline, de quoi encourager plus d’une vocation journalistique !
Bérénice Bejo, ange de la mort Parmi les actrices les plus talentueuses, le festival a aussi confirmé le charme fou de Bérénice Bejo (Meilleur Espoir féminin, de Gérard Jugnot, en 1999), sublime ange de la mort dans Le Grand Rôle, de Steve Suissa, un film de copains chargé de mélo. Tirée du roman éponyme de Daniel Goldenberg, l’histoire ramène Stéphane Freiss à un rôle de jeune premier, dans la peau d’un comédien méconnu très amoureux de sa femme Perla (Bérénice Bejo). Régulièrement secoué par son agent (François Berléand et ses bons coups de gueule), Freiss traîne les castings avec sa bande de copains confrères, jusqu’à l’arrivée à Paris d’un prestigieux metteur en scène hollywoodien (Peter Coyote, sosie de Steven Spielberg comme en souvenir d'E.T.) à la recherche de nouvelles têtes pour sa prochaine production. Sur cette comédie de potes bien emmenée, avec l’excellent Rufus en second rôle, affleurent quelques notes de piano annonciatrices d’une bombe mélodramatique…
De même, un gros mensonge sous-tend la comédie dramatique ébouriffante Old, New, Borrowed and Blue. Réalisé d’après le dogme naturaliste de l’immense Lars von Trier, ce film danois suit la folle journée de Katrine, à la veille de son mariage. La visite de Thomsen, vieil ami de retour du Kenya (brillant Bjorn Kjellman) se double, pour elle, d’une terrible nouvelle, toute intériorisée. Monstrueuse de maladresse, Katrine garde en secret le malheur des autres.
Dans les vieux pots du fantastique, une sauce terrifiante A la révélation nordique Bjorn Kjellman, le jury du Prix d’Interprétation Masculine a préféré une valeur sûre, adoubée par Hollywood. Goran Visjnic, le médecin séducteur remplaçant de George Clooney dans la série Urgences, promène son regard de braise et sa coiffe impeccable dans le stupéfiant Hypnotic. Dans une nouvelle mise en scène de qualité, sept ans après Forever (Photographing Fairies), l’Anglais Nick Willing cuisine une sauce terrifiante dans les vieux pots du fantastique. L’horreur surgit dans le quotidien ordinaire de Michael Strother (solide Visjnic), hypnotiseur américain exilé à Londres après avoir causé un tragique accident à un patient (convaincu de son invincibilité !). Depuis ce faux-pas, le praticien ne soigne plus que des désespérés de la cigarette. Mais son pouvoir extralucide ne le quitte pas, notamment lors d’une séance avec Janet Losey, une femme flic (jouée tant bien que mal par Shirley Henderson) lancée sur la piste d’un tueur en série et intéressée par les talents originaux de Strother pour mener à bien son enquête. Magistrales scènes d’hypnose, séquences de rêves gorgées de numérique douteux, sympathiques plongées dans l’ésotérisme de carton-pâte et en particulier dans un univers graphique calqué sur la pochette de La Dernière Tentation d’Alice Cooper, le tout est bouclé dans un joli tour de train fantôme, respectueux des règles de l’art, et tiré d’un roman Doctor Sleep (Penguin, 1991), de Madison Smartt Bell. Sortie nationale le 5 mai prochain, auréolée de l’«Arc d’Or» du festival du film de Paris, après le Méliès d’Argent 2003 du meilleur film fantastique européen.
Sans rien enlever à Goran Visjnic, le meilleur travail d’acteur présenté à Paris se trouve plutôt chez Michael Pitt (23 ans et une carrière déjà étoilée de tournages avec les titans Bertolucci, M. Night Shyahmalan et Gus Van Sant). Sur les traces de Johnny Depp (dans Benny et Joon) et de Leonardo DiCaprio (dans Gilbert Grape), le jeune Américain interprète, dans Rhinoceros Eyes, un bel idiot, gentil et naïf, l’accessoiriste, très dévoué et très amoureux, d’une décoratrice.
L’esprit communautaire en Nouvelle-Zélande Au contraire du très stylé Rhinoceros Eyes, le néo-zélandais For Good souffre d’un manque de trouvailles visuelles et d’un surplus d’écriture. Sans doute trop collé à sa source théâtrale (une pièce intitulée «Portraits»), il donne envie d’une réadaptation pour les planches, avec vidéo ! Lisa, jeune femme marquée par un fait divers survenu dans sa communauté, dans son enfance, se fait passer pour journaliste dans le but de s’entretenir, en prison, avec un assassin. En cellule, elle interroge en fait le meurtrier de son amie d’enfance. Dans ces entrevues, le lien, évoqué, entre la victime et le bourreau se renoue, se transforme et la tragédie remonte petit à petit à la surface civile, dans les mémoires, sur les lieux du crime… Densifiée par la mise en scène originale de Stuart McKenzie, la quête intérieure de Lisa monte en puissance, alors que le propre traumatisme de la jeune femme semble se réaliser. Tendu vers un violent climax, For Good rend bien compte de l’esprit communautaire anglo-saxon, peut-être accentué par l’insularité néo-zélandaise… A l’inverse, le film israélien anglais Shem, une promenade baroque moderne à travers l’Europe, table, lui, sur l’appartenance aux communautés juive et homosexuelle. En dehors des sentiers battus, la metteuse en scène Caroline Roboh ne manque ni de hardiesse, ni du goût de l’aventure pour élaborer ce qui ressemble à une version techno-«Europass» du mythe du juif errant… La curiosité de la sélection du Cercle de la Presse!
Mais, à l’agonie, le pilier de bar demande à son collègue et meilleur ami (Eric Stoltz, le type british propret du cinéma de genre américain) de conclure son roman posthume par la rédaction de la «scène de la mort». Le lourd pathos autobiographique est donc transféré à un sobre second rôle et le terne Happy Hour s’ouvre enfin vers la lumière, dans la mort. Mieux vaut tard que jamais. Tourne-t-on trop de films en France? Avant de prendre l’affiche à travers le pays, telle œuvre ou telle autre présentée au festival en avant-première doit d’abord prendre patience, bloquée dans un long embouteillage. A cette conclusion, est arrivé un colloque matinal intitulé «Tourne-t-on trop de films en France ?». Cette question judicieuse n’est guère restée en suspens, en dépit du constat initial de l’encombrement du marché par le réalisateur Bertrand Tavernier (la télévision française refuse de diffuser aux heures de grande écoute ce qu’elle produit pourtant au prix fort, une poignée de films squattent les écrans aux Grands-Boulevards). Trop de films tournés en France, ou pas assez ? Les producteurs invités à débattre en veulent plus, pour davantage de diversité (mais quelles différences?), pour se rapprocher du niveau de consommation aux Etats-Unis («on a de la marge!») et, selon Tavernier, pour asseoir le rôle culturel dominant de la France (en tant que producteur et qu’exploitant) dans le monde. Par conséquent, rien n’arrête la politique industrielle apparemment lancée sur le long terme, pour tant de DVD, tant de diffusions télé en catimini, tant de parcours du combattant cinéphile… Mais à force de klaxonner dans le bouchon, à force de chercher le regard d’un public perdu parmi les supports, la rencontre, tant attendue, du film avec les spectateurs risque de se réduire à un péage. François
Cavaillès François Cavaillès est journaliste et critique d'art à Paris. Ancien reporter en radio, puis en presse, dans la région d'Ottawa (Canada), il s'intéresse aujourd'hui aux cultures de l'Asie du Sud-Est et étudie le thaï à l'Institut National des Langues et Civilisations Orientales de Paris.
films chroniqués Tomorrow’s
Weather de Jerzy Stuhr
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